2.68 Цветовые системы. История вопроса (часть 12)

Тема лекции: Европа 18 в. Рококо.

Источник — сайт Михалкевича на народ.ру

В XVIII веке барокко превращается в рококо. Появляется тяготение к ассиметрии композиции, декору (мягкая деталировка форм), сочетание ярких и чистых тонов цвета с белым и золотом.

Стиль рококо

Длительная эпоха барокко завершается во второй половине XVIII столетия искусством стиля рококо. Название стиля произошло от французского слова «rocaille» ,что означает композиции из раковин и гротов, играющих большую роль в новом стиле. Стиль рококо, затрагивающий главным образом орнаментально-декоративный строй предметов украшения, мебели и интерьеров, ассоциируется, прежде всего, с причудливыми формами орнаментики, состоящей из раковин, коралловидных образований, завитков, цветочных гирлянд, прихотливо извивающихся стеблей и т. д.

Стиль рококо является стилем искусства двора и аристократии. Появляются новые типы жилых помещений: будуары, интимные кабинеты. Стиль очень ярко и последовательно проявился в оформлении интерьеров. Зеркала, позолота, буйно стелющиеся по стенам и потолкам лепные узоры деформируют пространственную структуру интерьеров. Архитектоническое начало с его колоннами, пилястрами, карнизами сменяются откровенно декоративным; единственный элемент, служащий членению поверхностей стен и потолков, — капризно изогнутая рамка.

В этот период продолжается усиливаться восточное, и, прежде всего китайское влияние. Изящные по формам, украшенные тонким, изысканным декором художественные изделия китайских мастеров отлично гармонировали со стилем, процветавшим при европейских абсолютистских дворах.

Особенно в большом количестве завозился фарфор, привлекавший европейцев экзотичностью, новизной материала и форм.

Характерной особенностью стиля является сочетание внешней сдержанности и внутренней роскоши, которая была предназначена для комфорта.

Помещения не всегда выдерживаются в одной цветовой гамме и обустраиваются с учетом наклонностей хозяина и его рода занятий.

По сравнению со сдержанностью и трезвостью барокко, интерьеры рококо перенасыщены предметами меблировки, но в целом — это эталон утонченности, элегантности, изнеженности. Нежные, пастельные тона преобладают и в колорите, наиболее частые цветовые решения — белое в сочетании с голубым, зеленым или розовым и непременное золото.

Стилю рококо чужды прямая или правильных очертаний кривая линия и симметрия. В мебели и декоративном убранстве интерьера используются самые дорогие материалы: экзотические породы дерева, мрамор, шелк, гобелен, бронза, золото.

Внутри дом всегда украшается настенной живописью, достаточно часто встречается и роспись потолков, продолжающая сюжетную линию стен.

Да и сама комната строится в форме вытянутого овала или круга, углы могут присутствовать только в кабинетных комнатах и в будуаре, хотя и это встречается достаточно редко.

Стены помещений украшаются не фресками, а шпалерными развесками— коврами с расшитыми диковинными узорами по шелку или атласу.

Только в стиле рококо используются настенные консоли, которые делаются из стукко или фарфора. Эти два материала позволяют вылепить невысокий рельеф, который очень быстро принимает нужную форму и схватывается.

4

В качестве основных орнаментов используются восточные мотивы с изображением пальм, заморских животных и птиц, картин из жизни туземцев.

В сторону большего удобства и элегантности изменяются и формы мебели для сидения. Контуры предметов становятся мягкими, волнистыми, изгиб ножки усиливается. Характерной для рококо становится изысканная и в изобилии украшенная мебель. Здесь присутствует целая смесь характерных для других стилей черт: богатая рокайная резьба барокко и раскраска пастельными тонами отдельных деталей мебели, простота конструкций средневековья, отделка ножек в виде лап животных и золотая отделка в духе римского стиля.

В отделке полов присутствуют и каменная мозаика, и паркет, которые всегда гармонируют с остальным витиеватым убранством комнат.

Для того чтобы стилизовать интерьер вашей квартиры под стиль рококо, можно воспользоваться несколькими деталями. Цветочные скатерти, занавески, обои и плитка наиболее подходят для этого стиля. При этом лучше выбирать мелкий рисунок на бледном голубоватом или сиреневатом фоне. Для стилизации комнат потребуется больше деталей. Это и изысканная обивка мебели, и подобранные в тон занавеси, роскошно спадающие на пол, многочисленные вазы с вылепленными цветами, от больших напольных до миниатюрных. Также комнату можно украсить лепниной с тонким слоем бронзовой или золотой краски. Что касается спальни, то здесь можно установить балдахин, с каркаса которого, как свадебная фата, будет, струится волна полупрозрачного шелка.

Дополнения из Википедии

Архитектура

Архитектурный (точнее — декоративный) стиль рококо появился во Франции во времена регентства (1715-1723) и достиг апогея при Людовике XV, перешёл в другие страны Европы и господствовал в ней до 1780-х годов. Стиль рококо был продолжением стиля барокко или, точнее сказать, его видоизменением, соответствовавшим жеманному, вычурному времени. Он не внёс в архитектуру никаких новых конструктивных элементов, но пользовался старыми, не стесняя себя при их употреблении никакими традициями и имея в виду, главным образом, достижение декоративной эффектности.

Отбросив холодную парадность, тяжёлую и скучную напыщенность искусства времён Людовика XIV и итальянского барокко, архитектура рококо стремится быть лёгкой, приветливой, игривой во что бы то ни стало; она не заботится ни об органичном сочетании и распределении частей сооружения, ни о целесообразности их форм, а распоряжается ими с полным произволом, доходящим до каприза, избегает строгой симметричности, без конца варьирует расчленения и орнаментальные детали и не скупится расточать последние. В созданиях этой архитектуры прямые линии и плоские поверхности почти исчезают или, по крайней мере, замаскировываются фигурной отделкой; не проводится в чистом виде ни один из установленных ордеров; колонны то удлиняются, то укорачиваются и скручиваются винтообразно; их капители искажаются кокетливыми изменениями и прибавками, карнизы помещаются над карнизами; высокие пилястры и огромные кариатиды подпирают ничтожные выступы с сильно выдающимся вперёд карнизом; крыши опоясываются по краю балюстрадами с флаконовидными балясинами и с помещёнными на некотором расстоянии друг от друга постаментами, на которых расставлены вазы или статуи; фронтоны, представляя ломающиеся выпуклые и впалые линии, увенчиваются также вазами, пирамидами, скульптурными фигурами, трофеями и другими подобными предметами. Всюду, в обрамлении окон, дверей, стенных пространств внутри здания, в плафонах, пускается в ход затейливая лепная орнаментация, состоящая из завитков, отдалённо напоминающих собой листья растений, выпуклых щитов, неправильно окруженных такими же завитками, из масок, цветочных гирлянд и фестонов, раковин, необделанных камней (рокайль) и т. п. Несмотря на такое отсутствие рациональности в пользовании архитектоническими элементами, на такую капризность, изысканность и обременённость форм, стиль рококо оставил много памятников, которые доныне прельщают своей оригинальностью, роскошью и весёлой красотой, живо переносящими нас в эпоху румян и белил, мушек и пудреных париков (отсюда немецкие названия стиля: Perückenstil, Zopfstil).

Живопись

Появление стиля рококо обусловлено изменениями в философии, вкусах и в придворной жизни. Идейная основа стиля — вечная молодость и красота, галантное и меланхолическое изящество, бегство от реальности, стремление укрыться от реальности в пастушеской идиллии и сельских радостях. Стиль рококо зародился во Франции и распространился в других странах: в Италии, Германии, России, Чехии и др. Это относится и к живописи, и к другим видам искусства. В России в эпоху рококо живопись европейского типа только появилась впервые, сменив свою, русскую традицию, иконопись. Это портретная живопись Антропова и Рокотова. На смену репрезентативности приходит камерность, изысканная декоративность, прихотливая игра форм. Наиболее ярко живопись рококо проявилась во Франции и Италии. Вместо контрастов и ярких красок в живописи появилась иная гамма цветов, легкие пастельные тона, розовые, голубоватые, сиреневые. В тематике преобладают пасторали, буколика, то есть пастушеские мотивы, где персонажи не обременены тяготами жизни, а предаются радостям любви на фоне красивых ландшафтов в окружении овечек. Впервые черты этого стиля проявились в творчестве Антуана Ватто, у которого главной темой были галантные празднества. Его творчество относят к реализму, он изображал жизнь придворных довольно справедливо. Но в его картинах явно просматривается и новый стиль. Другой, характерной чертой того времени, была эротика. Создано много картин, изображающих обнаженную натуру, различных нимф, Венеру. Крупнейший представитель рококо во Франции — Франсуа Буше, работавший в жанре портрета и пейзажа.

В Италии крупнейший представитель того времени — Джамбаттиста Тьеполо (1696, Венеция — 1770, Мадрид). Большое внимание тогда уделялось фрескам, росписи потолков, сводов, стен. Была даже особая специализация среди художников — квадратурист. Он изображал иллюзорные архитектурные формы, служившие обрамлением, а то и фоном. В этом случае нарисованное на плоскости с расстояния кажется скульптурой. Такие росписи есть, например, в вестибюле Зимнего дворца. Видным художником является Пьетро Лонги. Его бытовые сцены вполне соответствуют характеру стиля рококо — уютные гостиные, праздники, карнавалы. Кроме этого в Италии в это время развилось и другое направление, которое не совсем вписывается в рамки стиля. Это — ведутизм, реалистическое и точное изображение городских видов, прежде всего Венеции. Здесь преобладает принцип точной передачи действительности. Виды Венеции пишут Каналетто и Франческо Гварди. Бернардо Беллотто работал также в Германии. Его кисти принадлежат великолепные виды Дрездена и других мест.

Декоративно-прикладное искусство

Стиль рококо выразился блестящим образом также во всех отраслях художественно-промышленных производств; с особенным успехом он применялся в фабрикации фарфора, сообщая своеобразное изящество как форме, так и орнаментации его изделий; благодаря ему, эта фабрикация сделала в своё время огромный шаг вперёд и вошла в большой почёт у любителей искусства.

3

В 1708 году алхимик Иоганн Фридрих Бётгер открыл секрет изготовления фарфора и нашел подходящую для этого глину. В Майсене была открыта первая фабрика, где первым мастером был Иоганн Готтлиб Кирхнер. Фарфор получает популярность, появляются и другие центры его производства. Наиболее знаменитой была мануфактура в Севре, где работал Этьен Морис Фальконе. Кроме фарфора — в моде серебро. Изготовляются шоколадницы, супницы, кофейники, блюда, тарелки и другое. В этом веке рождается кулинарное искусство в его современном виде, в том числе — искусство сервировки стола.

Мебель рококо отличается характерными чертами. Одна из самых ярких черт — изогнутые линии, изогнутые ножки. Мебель становится более легкой и изящной по сравнению с той, что была прежде. Появляются новые предметы мебели, консольные столики, секретеры, бюро, комоды, шифоньеры. Два наиболее распространенных типа кресел — «Бержер» и «Маркиза».

Мастера мебели: Давид Рентген, Шарль Крессан, Жак Дюбуа, Франсуа Эбен, Пьетро Пиффетти (Рим), Эннемон-Александр Петито (Парма), Джузеппе Маджолини (Милан). Ведущее положение в изготовлении мебели в Италии занимали мастерские Турина и Венеции.

Мода

Мода эпохи рококо отличалась стремлением к рафинированности, утончённости и намеренному искажению «естественных» линий человеческого тела.

Моду рококо принято считать женственной модой, так как в эту эпоху произошло максимальное приближение мужской моды к типично-женским образцам. (Некоторые исследователи даже называют XVIII век «веком женщин»). Идеал мужчины — утончённый придворный, франт. Идеал женщины — хрупкая стройная жеманница. В моде — осиная талия, узкие бёдра, хрупкие плечи, круглое лицо. Этот силуэт оставался неизменным на протяжении всей эпохи рококо. Женщины носят пышные юбки — панье, создающие эффект «перевёрнутой рюмочки».

Женская причёска (см. подробно — Причёски XVIII века) претерпела значительные изменения. Так, в 1720—1760-х годах (после того, как фонтанж окончательно вышел из моды) в моде была гладкая, маленькая причёска с рядами ниспадающих локонов. Потом причёска начала «расти», чтобы в 1770-е годы превратиться в знаменитые «фрегаты» и «сады», которые так любила Мария-Антуанетта. Мужчины сперва отпускали с боков букли, а сзади носили длинную косу. Чуть позже в моду вошли белые напудренные парики, с закрученными с боков буклями, косичкой и бантом сзади.

Подробнее о прическах 18 века почитать в Википедии.

Основным типом мужской одежды оставался жюстокор, со времен моды барокко, но позже его стали называть аби. Под него надевали камзол. Носили белоснежные рубашки, кружевные жабо и шейные платки. Жюстокор имел в начале века более прямую форму, затем претерпел эволюцию: его полы стали шире, как бы торчали в разные стороны. На рукавах были широкие обшлага. На карманах — огромные клапаны. Женское платье также претерпело подобную эволюцию: сперва оно было уже, затем начало расширяться и расширилось до предела. В качестве головного убора популярной оставалась треуголка.

В самом начале эпохи рококо (Регентство) в моде был стиль ноншаланс, то есть нарочитая небрежность.

Эпоха рококо принесла моду на пастельные, приглушённые (по сравнению с эпохой барокко) тона: нежно-голубой, бледно-жёлтый, розовый, серо-голубой. Если в эпоху барокко все женщины выглядят значительными и зрелыми (им как будто всем за тридцать), то рококо — это время юных нимф и пастушек, которым никогда не будет больше двадцати. Румяна и пудра помогают всем дамам выглядеть молодыми, хотя эти лица и превращаются в безжизненные маски. Модные запахи, духи, — фиалковый корень, нероли, пачули, розовая вода.

Три цвета рококо

Заказчики этой петербургской квартиры хотели видеть интерьер в классическом стиле. Архитекторы Алина Лавренченко и Артем Рюганов предложили им барочно-рокайльный стиль в облегченной, осовремененной трактовке.

Перейти
в галерею

Дата публикации:

15.06.2009

Фото:

Петр Лебедев

Текст:

Анна Самойлова

Стилист:

Юлия Коржова

Автор проекта:

Алина Лавренченко, Артем Рюганов

Журнал:

N3 (136) 2009

Эта квартира находится в новом современном жилом комплексе на Крестовском острове в Санкт-Петербурге. Заказчики — состоятельная супружеская пара — обратились к архитекторам, с которыми не раз работали, с предложением взяться за оформление их новых апартаментов. Выбор классики как основы будущего интерьера был неслучаен. У квартиры сугубо представительский характер: она предназначена для приема гостей. Поэтому стилистическая доминанта в оформлении — роскошный и элегантный стиль Людовика XV, ведь владельцы хотели, чтобы интерьер был парадным и уютным одновременно. Конечно, в тщательном воспроизведении стиля необходимости не было, тем более что хозяева хотели видеть его в более легкой, более современной трактовке, без излишней помпезности. Особой перепланировки квартира не требовала, и основное внимание архитекторы уделили оригинальным декоративным решениям, колористике, подбору предметов интерьера, тканей и аксессуаров.

По словам Алины Лавренченко, очень часто заказчики хотят видеть в оформлении комнат бежевый и кремовый, что вполне логично: эти цвета действительно к лицу классическим интерьерам. Тогда как более необычные оттенки используются редко. Но здесь все обстояло иначе заказчики сами предложили использовать контрастную и яркую цветовую гамму. В такой интерпретации барочно-рокайльный интерьер приобрел современное звучание и индивидуальность. Поэтому у каждого помещения своя цветовая концепция и свой характер. В холле царят светло-охристые и песочные тона, создающие теплую, гостеприимную атмосферу, что для помещения, в котором встречают гостей, немаловажно. Для общественной зоны подобрали холодную фисташково-зеленую и кремовую гамму с золотом, которым богато декорированы предметы интерьера, двери и порталы. Хозяйская спальня выдержана в мягких нежно-розовых оттенках, а коринфские колонны придают интерьеру торжественность. Классические решения использованы и в кабинете — сугубо мужском пространстве: на фоне темного дерева буазери и кессонированного потолка проставлены яркие акценты: золоченая рожковая люстра, кожаная викторианская мебель, камин с мраморным порталом и тяжелые бархатные шторы.

Классический интерьер немыслим без живописи. Для каждого полотна из коллекции хозяев архитекторы нашли свое, правильное место. И, конечно же, ключевые элементы отделки — лепнина и резные позолоченные детали, благодаря которым квартира выглядит роскошно и утонченно.

Алина Лавренченко:
«Для представительского характера квартиры как нельзя лучше подходил роскошный и элегантный стиль Людовика XV. Мы не стремились к его точному воспроизведению, как и не стали перегружать интерьер избыточным декором; более того, постарались адаптировать его к современному жизненному укладу хозяев. В итоге получился уютный и в то же время парадный интерьер, в котором хозяева с удовольствием отдыхают от суеты и принимают дорогих гостей и близких друзей»

Реклама на SALON.ru

Эти статьи могут вам понравиться:

Уместен ли ротанг в городской квартире: 5 мнений дизайнеров

И натуральный, и искусственный ротанг сегодня часто встречается в дизайне интерьеров. Узнайте, что думают об этом наши профессионалы?

#Интерьер

Квартира мечты для семейной пары и сына-старшеклассника

Чтобы объединить разнообразные стилевые предпочтения каждого члена семьи, архитектор Варвара Филатова сделала ставку на эклектичный подход, соединив минимализм, неоклассику и восточные мотивы.

#Интерьер #Квартиры #Эклектика #Москва

5 главных трендов выставки Salone del Mobile.Milano 2023

Вчера в Милане завершилась главная мебельная выставка года. Составили топ-5 трендов, заданных смотром.

#Места

Как оформить интерьер спальни этой весной: 5 мнений дизайнеров

Обновляем текстиль, украшаем горизонтальные поверхности и избегаем роковых ошибок в декоре.

#Интерьер #Спальни

Лепной декор на стенах и потолке- классический барочный орнамент. Он повторен
в золоченом рельефе дверей, изготовленных по эскизам авторов проекта.

Вся мебель,
Angelo Cappellini.
Люстры, бра, de Majo. На обеденном столе Салфетка, Lene Bjerre

Центральное место занимает столовая группа с овальным столом на12персон, за которым собираются гости по торжественным поводам.


Вся мебель, Angelo Cappellini. Люстры, бра, de Majo. На обеденном столе Салфетка, Lene Bjerre. Бокалы, IVV, бутик Vetro

Гостиная выдержана в холодных и спокойных зеленовато-фисташковых тонах.

Вся мебель,
Angelo Cappellini.
Люстры, бра, de Majo. На обеденном столе Салфетка, Lene Bjerre. Бокалы, IVV,
бутик Vetro

Первое впечатление от интерьера самое важное, считают авторы проекта. Именно поэтому холл оформлен наиболее торжественно и парадно. Изящная барочная мебель (Angelo Cappellini), картины старых мастеров, роскошная мраморная розетка на полу, витиеватая люстра (Beby Group) и теплая цветовая гамма создают гостеприимную атмосферу

Кухня декорирована столь же
торжественно, что
и гостиная.
Кухня, стол, стулья,
Francesco Molon.
Люстра, бра, Gallo.
Плитка, Petra Antiqua, Petracer’s ceramics

В отличие от легкой барочно-рокайльной гостиной в основу интерьера кабинета лег строгий викторианский стиль, что вполне логично для мужского по характеру помещения. Все стены и потолок отделаны деревянными буазери и кессонами. Завершающий штрих- основательный письменный стол и кожаные кресла от Provasi, темно-зеленые бархатные портьеры.
Потолок, библиотека, Arca. Люстра, настольная лампа, Chelini

Интерьер кабинета оформлен
в строгом викторианском стиле

Спальня получилась женственной
и утонченной: розовая гамма представлена здесь в избытке.
Вся мебель,
Angelo Cappellini

Будуарная зона отделена от спальной
небольшим подиумом
и классическими
коринфскими колоннами. Вся мебель,
Angelo Cappellini

Ванная комната хозяев напоминает римскую купальню: стены и подиум со встроенной
гидромассажной ванной, отделанные мрамором песочного оттенка, величественные дорические колонны, люстра и зеркала
Классическое оформление создает
в ванной комнате парадное настроение

Получайте самые популярные статьи на почту.

Подпишитесь, чтобы ничего не пропустить. Отписаться можно в любой момент.

Email:

Нажимая на кнопку «Подписаться», я даю согласие на обработку персональных данных.

Розовый! Цвет в стиле рококо

Во времена французского двора восемнадцатого века розовый был популярным цветом для картин, моды и декоративно-прикладного искусства. Самые богатые и влиятельные люди страны были одеты в оттенки розового, лососевого и кораллового цветов.

Цвет был принят членами королевской семьи и законодателями моды, мужчинами и женщинами. Розовый цвет был символом богатства, поскольку большинство населения и не мечтало позволить себе одеваться в розовое или есть булочки с розовой фарфоровой тарелки. Бизнес велся в розовом цвете, от заказа придворным художникам рисовать розовым цветом до основания фабрик для производства предметов роскоши в розовом цвете.

Розовый был силой. Его популярность распространилась из Франции — мирового центра моды того времени — по Западной Европе богатыми мужчинами и женщинами, которые предпочитали этот цвет для своих платьев и шелковых пальто с вышивкой. Розовый распространился на всех достаточно богатых, чтобы не остаться в стороне от тренда, в комнатах и ​​на одежде.

Сегодня мы можем ассоциировать розовый цвет с мягкостью и женственностью, но 300 лет назад отношение к этому цвету было другим. (На самом деле, если в то время и был «женский» цвет, то это был зеленый.) Тогда розовый означал аристократию, а не женственность. Один из самых влиятельных людей середины восемнадцатого века, Людовик XV, король Франции, был рекламой повального увлечения. Ему нравились розовые украшения — эти роскошно декоративные музыкальные часы, инкрустированные шелком лососевого цвета, возможно, были сделаны для короля.

Музыкальные часы

ок. 1762 г., позолоченная бронза, шелк, стекло, латунь, эмаль и сталь, дизайн приписывается Жан-Клоду Шамбеллану Дюплесси старшему (ок. 1695–1774)

Этот цвет был любимым цветом мадам де Помпадур, любовницы Людовика XV и, возможно, самой влиятельной женщины в истории французского двора. Не жена короля, но все же пчелиная матка, мадам де Помпадур и власть были одним и тем же. С детства ее прозвали «Ренетт», что означает «маленькая королева».

Любовница и советник, она имела невероятную власть над Людовиком XV и большое влияние на политику — говорят, что Помпадур развязывал войны и отправлял в Бастилию больше людей, чем любой французский король. Помимо внешней политики и международных отношений, она владела замечательным контролем над визуальной культурой с безупречным эффектом. Ее любимый цвет, розовый Помпадур, стал одним из определяющих оттенков рококо.

Преднамеренное использование розового цвета в качестве основного цвета картины стало возможным благодаря открытию бразильского дерева в Южной Америке (тезка Бразилии) в восемнадцатом веке. Растение дало новый краситель, который давал более яркий и стойкий розовый цвет. До этого розовый считался бледным оттенком красного, а не самостоятельным цветом.

Помпадур заказала картины Франсуа Буше, в которых розовый использовался как центральный цвет. В «Восход …» и «Закат солнца » фигура Аполлона, который, как считается, представляет Людовика XV, задрапирована розовой тканью. Здесь розовый не относится к женскому полу, а вместо этого ассоциируется с той же божественной силой, которой наделили себя правители старого режима.

Живопись была не единственным искусством, процветавшим в эпоху рококо. Венсенская фарфоровая мануфактура была основана в 1740 году в заброшенном Венсенском замке к востоку от Парижа. В 1756 году мануфактура переехала в Севр, к юго-западу от города, на пути от французского двора Версаля к французской столице Парижу. С самого начала Людовик XV финансировал компанию и к 1759 г.полностью владел им. Мадам де Помпадур вложила все свое внимание в то, чтобы компания процветала, и следила за тем, чтобы версальские придворные и парижская буржуазия покупали у компании для ее финансового роста.

Кувшин и тазик с крышкой

1758 г., фарфор из мягкой пасты, окрашенный и позолоченный, с позолоченным серебряным наконечником производства Севрской мануфактуры

.

В соответствии со временем одним из самых популярных основных цветов севрского фарфора был Fond Rose. В то время розовый хвалили за его возвышающий эффект на мужчин и рекомендовали в качестве предпочтительного декоративного цвета для джентльмена. Поэтому цвет проник в интерьер и декоративное искусство наряду с модой и живописью.

Ваза и крышка Pot-pourri (ваза ‘pot pourri Hébert’)

ок. 1760 г., фарфор из мягкой пасты, роспись и позолота Севрской мануфактуры — Пьер-Жозеф Россе (1734–1799), авторство — Жан-Луи Морен (1732–1787)

Помпадур дарила венсенский фарфор в качестве международных дипломатических подарков и, очень проницательно, особенно полезным друзьям, таким как министр полиции, который действовал как ее шпион при дворе. Для личного пользования Людовик XV, как правило, покупал больше синего грунта, тогда как Помпадур предпочитал зеленый фон (а не розовый, что удивительно). У фарфора было много функций, от маленьких яйцеварок до щеток для одежды. Каждый предмет в руках состоятельных людей должен был быть восхитительным. Горшки для попурри неоднократно производились и жадно закупались на фабрике. Горшки были наполнены лепестками, чтобы аромат через маленькие отверстия придавал квартирам Версаля цветочно-розовый аромат.

Жанна-Антуанетта Пуассон, маркиза де Помпадур

1750 г. с более поздними дополнениями, холст, масло Франсуа Буше (1703–1770)

Одетая с ног до головы в розовое, с румяными щеками, припудренными фарфоровым горшочком, мадам де Помпадур была готова целый день шептать идеи на ухо королю. Румянец на белой женщине одновременно предполагал невинность и сексуальность — он использовался и теперь ассоциируется как с придворными, так и с проститутками восемнадцатого века. Портреты мадам де Помпадур привлекали внимание к ее кокетливым щекам, которые изображались в угоду королю. На своих портретах она могла казаться краснеющей, но у мадам де Помпадур не было нежного темперамента, и она знала, как женщина может оказывать некоторую власть над мужчинами, которые пытались ее унизить. Фактически, даже скучный и неодобрительный член королевской партии, герцог де Люин, разрешил ей «форт Жоли». Красота была активом для воздействия.

Тем временем в Англии суперзвезда лондонского светского общества Мария Ковентри, графиня Ковентри, так полюбила популярную тенденцию макияжа с напудренной белой кожей и розовыми щеками, что заболела от отравления свинцом (ее портрет показан в крайнем левом углу). этот складной веер восемнадцатого века). Болезнь графини привела к тому, что она стала больше пользоваться косметикой, пока не наступила ее смерть. Бедная женщина умерла за красоту, моду и розовый цвет, потому что это, к сожалению, было необходимо, чтобы вызвать восхищение публики.

Качели
1767

Жан-Оноре Фрагонар (1732–1806)

Коллекция Уоллеса

Розовый может быть возмутительным. Знаменитая картина в стиле рококо Качели ( Les Hasards heureux de l’escarpolette ) Жана-Оноре Фрагонара представляет собой эротическое использование розового цвета. Под такие платья, как на картине, не надевали нижнего белья. Современные зрители поняли бы, что у человека внизу слева был бы шокирующий вид. Это произведение искусства недавно было отреставрировано, и теперь его цвет кажется более холодным, светлым и ярким розовым.

Можно провести сравнение между розовым платьем безымянного главного героя Качели и платьем мадам де Помпадур на известном портрете Буше около 8 лет назад, что подтверждается сходством пейзажа позади. Это наводит на мысль, что женщина на картине — умная хозяйка, которая точно знает, что делает, когда застенчиво сбрасывает туфлю в воздух.

Париж и французский двор были столицей моды в Европе, распространяя тенденции через маленьких модных кукол в миниатюрных платьях, рассылаемых по Европе примерно раз в месяц в качестве журналов. Силуэт платья почти не менялся на протяжении большей части века: моду определяли ткань, цвет и отделка. Роза Бертен , модистка (модистка или портниха) Марии-Антуанетты, была известна как министр моды, следя за тем, чтобы королева моды Людовика XVI была одета в самую современную отделку.

Джон Гальяно для Christian Dior осень/зима 2007 pic.twitter.com/CdbtWymTQ1

— patrizia (@faeryil) 31 июля 2021 г.

Розовое платье в стиле рококо до сих пор вдохновляет современных модельеров своим незабываемым образом, который часто переосмысливают Вивьен Вествуд и Диор.

 

 

 

Посмотреть эту публикацию в Instagram

Публикация Флоры Юхнович (@flora_yukhnovich)

Флора Юхнович, известная своей современной интерпретацией живописного стиля рококо, щедро использует розовый цвет, чтобы оживить стиль и его сцены. Облака с розовым оттенком и персонажи, задрапированные в розовое, дают глоток воздуха двадцать первого века.

В то время как розовый цвет очень похож на стиль рококо, эксперименты с этим оттенком подталкивают современного зрителя к различным интерпретациям. Сегодня розовый можно рассматривать как спорный цвет, любимый одними, но вызывающий тошнотворно-сладкий, молодой и девчачий для других. Способ, которым цветовые ассоциации могут препятствовать наслаждению искусством во многих его формах, может ограничивать. Тем не менее, в свете этого появляется новая свобода изменять эти нормы и восстанавливать нарративы посредством искусства и цвета. В то время как в восемнадцатом веке розовый олицетворял привилегию, в двадцать первом веке этот цвет может подорвать власть.

Теган Хаскинсон, ассистент по коллекциям Art UK

Вдохновленный исследованиями коллекции Уоллеса и доктора Валери Стил, директора и главного куратора Музея FIT.

Франция XVIII век — Рококо и Ватто

Франция XVIII век — Рококо и Ватто

Обзор

В 1715 году французы впервые встретили нового короля в семьдесят два года. Людовик XV, пятилетний мальчик, стал преемником своего прадеда Людовика XIV, Короля-Солнце, который сделал Францию ​​выдающейся державой в Европе. В течение следующих восьми лет племянник покойного короля, герцог Орлеанский, правил страной в качестве регента. Его аппетит к красоте и живости был хорошо известен, и он отказался от благочестия, навязанного Людовиком XIV в Версале. Франция отказалась от имперских устремлений, чтобы сосредоточиться на более личных и приятных занятиях. По мере того как политическая жизнь и личная мораль ослабевали, изменения отражались в новом стиле в искусстве, который был интимным, декоративным и часто эротичным.

Стиль рококо

Стремление Людовика XIV прославить свое достоинство и величие Франции было хорошо удовлетворено монументальными и формальными качествами большей части французского искусства семнадцатого века. Но члены следующего двора стали украшать свои элегантные дома более легкой и изящной манерой. Этот новый стиль известен с прошлого века как «рококо», от французского слова rocaille , обозначающего украшение сада из камней и ракушек. Впервые появившись в декоративно-прикладном искусстве, рококо подчеркивал пастельные тона, извилистые изгибы и узоры на основе цветов, лозы и ракушек. Художники обращались от высокопарности к чувственным поверхностным удовольствиям цвета и света, от тяжелых религиозных и исторических сюжетов — хотя они никогда полностью не игнорировались — к более интимным мифологическим сценам, видам повседневной жизни и портретной живописи. Точно так же скульпторы все чаще применяли свои навыки к небольшим работам для оценки частных покровителей.

По имени Джан Лоренцо Бернини , Людовик XIV , ок. 1700 г., бронза, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1943.4.87

1 из 11

Антуан Ватто и Галантный праздник

сердечный подход и пристальное наблюдение — Антуан Ватто объединил их в нечто новое.

Родившийся недалеко от фламандской границы, Ватто находился под влиянием тщательно описанных сцен повседневной жизни, популярных в Голландии и Фландрии. Приехав в Париж в 1702 году, он сначала зарабатывал на жизнь копированием этих жанровых картин, содержащих нравоучительные послания, не всегда до конца понятные французским коллекционерам. Он работал у художника театральных сцен и познакомился с итальянским комедия дель арте и ее французские подражатели. Стандартные персонажи этих широко нарисованных импровизированных комедий часто появляются на картинах Ватто, а мир театра вдохновлял его смешивать реальное и воображаемое в загадочных сценах. Благодаря работе с модным декоратором в стиле рококо Ватто в конечном итоге привлек внимание покровителей и известных художников. Он начал обучение в официальной Королевской академии живописи и скульптуры, членство в которой было необходимо для выполнения важных поручений, и получил доступ к новым коллекциям произведений искусства, собираемым аристократами и представителями растущей буржуазии. Под влиянием своего изучения Рубенса и художников венецианского Возрождения Ватто разработал свободную, деликатную технику живописи и вкус к теплым, мерцающим цветам.

В 1717 году «шедевр» Ватто, представленный для поступления в Академию, был принят как «галантный праздник». В этой новой категории Академия признала новизну его работы. Немедленная популярность этих садовых сцен, в которых аристократические молодые пары встречаются в любовных занятиях, показывает, насколько хорошо fête galante соответствовал духу поиска удовольствий начала восемнадцатого века. Гравюры сделали сюжеты и манеру Ватто широко известными. Хотя лирическая тайна его собственных работ оставалась уникальной, другие художники, специализировавшиеся на fête galante , особенно Патер и Ланкре, также пользовались международной популярностью.

Антуан Ватто , Франция, 1684–1721, Галантный праздник с сокольниками , ок. 1711-1712, красный мел по графиту на верже, Дар Нила и Ивана Филлипсов, 1988.1.1

2 из 11

Церера, римская богиня урожая, окружена знаками летнего зодиака: Близнецы, Рак, и Лео. Это одна из четырех картин времен года в мифологических одеждах, которые Ватто написал для дома Пьера Кроза. Никто из остальных не выживает.

Ватто некоторое время жил в доме Кроза, изучая впечатляющую коллекцию произведений искусства богатого банкира, особенно работы Веронезе. Мерцающая яркость и живые пастельные тона Цереры отражают влияние венецианской художницы и смягчают ее крупную фигуру и формальную позу.

Ватто, вероятно, был представлен Кроза Шарлем де Ла Фоссом, известным художником и признанным членом Академии, и вполне вероятно, что Ватто написал Цереру по эскизам, сделанным художником старшего возраста. Их сотрудничество стоит на переходе между монументальными формами предыдущего века и рококо.

Антуан Ватто , французский, 1684 — 1721, Церера (Лето) , ок. 1717/1718, холст, масло, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1961.9.50

3 из 11

Труппа популярной итальянской комедии ( commedia dell’arte ) собирается на сцене, возможно, на занавесе. В центре неловко стоит уязвимая фигура Пьеро, простодушного камердинера и неудачливого любовника, который был самым человечным из стандартных персонажей комедии . Скарамуш, хвастун, представляет его, в то время как другие персонажи общаются вокруг странно неподвижного Пьеро.

Блестящий рисовальщик, Ватто часто рисовал друзей в театральных костюмах. Возможно, здесь нарисованы их лица, а не лица актеров. Было высказано предположение, что фигуры иллюстрируют переход от юности слева к старости справа или что меланхоличный Ватто видел себя в грустном Пьеро. Намерение Ватто состояло в том, чтобы вызвать настроение, а не просто описать сцену, и его величайшие картины, такие как эта, остаются загадочными и странно острыми.

Итальянские комики была одной из последних работ Ватто. Большую часть своей жизни он путешествовал в 1719 году в Англию для лечения у модного врача Роберта Мида. Эта картина, вероятно, была платой доктору. К сожалению, вскоре после этого Ватто умер от туберкулеза, ему не было и тридцати семи лет.

Антуан Ватто , Франция, 1684–1721, Итальянские комедианты , вероятно, 1720, холст, масло, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1946.7.9

4 из 11 9000 3

В этом пышном парке элегантные молодые аристократы флиртуйте, танцуйте и вступайте в интимную беседу, у каждой пары есть «эпизод» в процессе ухаживания. Их анекдотический характер делает картины Патера менее двусмысленными, чем загадочные работы Ватто, которые современник критиковал как «бессюжетные».

Патер учился у Ватто, который признался, что был нетерпеливым мастером, и принял его поручения после своей смерти. Преследуемый страхом бедности, Патер работал непрестанно, но также довольно механически, повторно используя группы фигур и мотивы от одной картины к другой. Он был принят Академией как художник «современных предметов», и более шестисот из его fêtes galantes сохранились до наших дней.

Несколько поз на этой картине и незаконченная работа Патера На террасе можно проследить до фламандского художника семнадцатого века Питера Пауля Рубенса, чьи работы можно было увидеть в Париже в 1700-х годах. Темное платье женщины справа, модное в предыдущем столетии, и садовая скульптура Венеры, подчеркивающая направленность картины на любовь, также отражают его влияние. Но Патер, в соответствии со вкусами рококо, усовершенствовал массивные фигуры Рубенса. Они собраны в изящные группы, их тонкие шелка окрашены прохладными пудровыми красками, нанесенными перистыми мазками.

Жан-Батист Жозеф Патер , французский, 1695-1736, Fête Champêtre , ок. 1730 г., холст, масло, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1946.7.19

5 из 11

Будучи молодым художником, Буше гравировал работы Ватто для публикации. Гравюры, подобные его, часто с добавлением стихов, распространили стиль рококо по всей Европе. Сам Буше стал самым модным художником Франции под покровительством мадам де Помпадур, могущественной фаворитки Людовика XV, чьи утонченные вкусы влияли на французское искусство в течение двух десятилетий. Возможно, именно муж или брат женщины на этой картине познакомил молодого художника со своим будущим покровителем.

Из более чем тысячи картин, созданных Буше, только около двадцати являются портретами. Современники отмечали, что художнику было трудно передать сходство, и в 1700-х годах этот недостаток считался менее серьезным для женских портретов, чем для мужских, поскольку правдивость могла заменить лесть. Бледные цвета, богатые ткани и деревенский оттенок соломенной шляпы типичны для стиля Буше. В нем запечатлено изящество изнеженного образа жизни, в котором, как отмечал современник, «нам действительно нечего делать, кроме как искать приятных ощущений и чувств».

Франсуа Буше , Франция, 1703–1770, Мадам Бержере , возможно, 1766, холст, масло, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1946.7.3

6 из 11 9000 3

Из художников, последовавших за Ватто, Ланкре был самым талантливым и изобретательным. Скорее соперник, чем подражатель, он был принят в Академию как художник galantes , но также создавал исторические и религиозные картины — и портреты, особенно актеров и танцоров.

В этом вдохновенном гибриде Ланкре создал такой портрет в элегантном саду праздничного торжества . Словно в центре внимания, знаменитая танцовщица Ла Камарго разделяет па-де-де со своим партнером Лавалем. Их обрамляет пышная листва, которая словно вторит их движениям. Мари-Куппи де Камарго (1710–1770) широко хвалили за ее чуткий музыкальный слух, воздушность и силу. Вольтер сравнивал ее прыжки с нимфами. Мода и прически были названы в ее честь, и ее реальный вклад в танец был значительным. Она первой укоротила юбки, чтобы можно было в полной мере оценить сложные шаги, и некоторые думают, что она изобрела туфли с носками.

Николя Ланкре , Франция, 1690-1743, Танцы Ла Камарго , ок. 1730 г., холст, масло, Коллекция Эндрю В. Меллона, 1937.1.89

7 из 11

Любовное письмо было заказано самой мадам де Помпадур. Любовница короля заказала его и сопутствующую картину для своего замка в Бельвю, где они, вероятно, висели над дверными проемами, встроенными в изогнутые овальные рамы. Позже по углам были добавлены куски холста, чтобы сделать эту картину прямоугольной.

Сцена представляет собой пасторальную идиллию. Молодые «пастушки» носят тонкие шелка, и современный зритель понял бы эротическое обещание в демонстрации розовых пальцев на ногах. Идеализированные видения деревенской жизни были обычным явлением на сцене и в реальных маскарадах. Дени Дидро, пренебрегая легкомыслием сцен Буше, жаловался: «Неужели я никогда не избавлюсь от этих проклятых пасторальей?» Тем не менее энциклопедист, который был влиятельным критиком, также оценил великолепие картины Буше, в которой запечатлены светящиеся цвета раковин, бабочек и полированных камней — предметов, которые художник собирал, чтобы скопировать их хрупкую радужность.

Франсуа Буше , французский, 1703–1770, «Любовное письмо» , 1750, холст, масло, коллекция Timken, 1960.6.3

8 из 11

В этой сцене Диана, девственная богиня охоты, крадется сквозь лунный свет, чтобы поцеловать спящего пастуха Эндимиона, которому боги даровали вечный сон, чтобы сохранить его красоту и молодость. Диана и Эндимион был написан, когда Фрагонар был еще студентом Академии и находился под сильным влиянием Буше, который был его учителем. Это была одна из нескольких мифологических виньеток, действие которых происходило в разное время дня; на другом изображена восходящая Аврора (Рассвет). Обе композиции, написанные как украшения над дверью, были основаны на рисунках, которые Буше сделал для гобеленов Бове. Несмотря на сходство с работами старшего художника, Диана и Эндимион уже демонстрируют важные элементы того, что станет собственным стилем Фрагонара: насыщенные цвета и плавное обращение с краской.

Жан-Оноре Фрагонар , француз, 1732 — 1806, Диана и Эндимион , ок. 1753/1756, холст, масло, коллекция Timken, 1960.6.2

9 из 11

Костюмы и обстановка здесь предполагают маскарад, возможно, в Венеции. Однако, как и изображенное элегантное и загадочное трио, картина остается загадочной. Его приписывали многим разным художникам, совсем недавно Ле Лоррену, малоизвестному художнику, который провел девять лет в Италии и был известен прежде всего как «художник руин». Ле Лоррен также проектировал интерьеры, мебель (в том числе неоклассическую сюиту на портрете Греза в коллекции Галереи) и декорации для публичных зрелищ (например, коронации Людовика XV). Морозные цвета и холодный, резкий свет на этой картине кажутся похожими на другие работы Ле Лоррена, но для сравнения существует несколько его работ. В конце концов он принял приглашение Екатерины Великой возглавить Академию художеств в Санкт-Петербурге и умер там всего через несколько месяцев после прибытия.

Луи-Жозеф Ле Лоррен , Франция, 1715-1759, Три фигуры, одетые для маскарада , ок. 1740-е годы, холст, масло, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1961.9.92

10 из 11

Широкие драпировки и тугой поворот головы создают движение и энергию в этом портретном бюсте. Слегка приоткрытые губы, просверленные зрачки и тщательно детализированные черты лица — линии вокруг глаз и рта — оживляют личность субъекта, который был советником Людовика XV и чей сын сражался в американской войне за независимость. И нарисованные, и скульптурные портреты того периода стремились запечатлеть нечто большее, чем сходство с натурщиком, и Лемойн передал ощущение сильного характера и живого ума Кромо.